음악교육신문

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요즘 대학 사회는 효용을 다소 조급하게 요구하는 듯하다. 졸업장의 경제적 가치, 전공의 산업 연결성, 이력서에 바로 적힐 성과가 우선순위로 소환된다. 예술의 가치는 종종 유용함 바깥에서 시작한다. 그러나 ‘무용(無用)’ 하다고 여겨진 것들이 인간의 판단을 더 깊고 정직하게 만든다는 사실을 우리는 여러 차례 확인해 왔다. 플라톤이 음악을 ‘우주의 절대적 질서를 반영한 완벽한 이상의 세계’로 바라보았다던가 그의 제자 아리스토텔레스가 음악을 ‘보다 실체적인 인간의 행동적 산물’이라 정리했다던가 하는 철학적 의미들을 굳이 되짚어 보지 않더라도 음악은 우리의 생활 속에 너무도 밀착되어 공존하고 있으며 여러 가지 순기능으로 작용하고 있는 것이 분명한 사실이 다. 그리하여 대학의 클래식 음악교육은 당장의 실용성 경쟁을 넘어 지성과 감성, 윤리와 미학을 함께 세우는 지대가 되어야 한다.

이미 한국의 음악교육은 그 토대 위에서 세계의 신뢰를 얻어 왔다. 국제무대에서 연주자들이 거듭 증명한 성취는 단순한 ‘메달 집계’가 아닌 오랜 시간 축적된 교수법과 학습 문화, 그리고 학생–스승–무대가 이루는 촘촘한 삼각 형의 결과로 읽힌다. 어떤 이름들은 이제 상징이 되었다.

젊은 시절부터 세계의 주목을 받은 피아니스트들, 굵직한 콩쿠르에서 악기 부문 우승을 새로 쓴 연주자들, 그리고 그 뒤에서 묵묵히 시간을 쌓아 올린 대학의 스튜디오와 앙상블 교실들. 이들의 궤적은 한국 고등교육이 음악이라는 언어를 통해 어디까지 갈 수 있는지 그 가능성을 조용히 가리킨다.

강의실, 합주실, 레슨실, 연습실 등이 줄지어 자리잡고 있는 음악대학의 복도를 걷노라면 각 방마다 다른 숨소리가 들린다. 슈만의 낭만적 프레이즈를 긴 호흡으로 연주하는 피아노 소리가 들리는가 하면, 비발디의 밝고 명료한 바로크적 보잉의 현악 앙상블이 질주하고, 젊음의 에너지가 충만한 성악 레슨의 소리까지 각각 다양한 전공의 학생들이 자신이 공부하는 음악에 더 적합한 음악 어법을 체득하기 위해 귀한 훈련의 시간을 보내고 있다. 각 전공별로 필수적인 연주기술을 익히는 것은 두말할 나위 없이 가장 큰 인내심과 열정을 필요로 하는 매우 중요한 교육과정 이다.

그렇다면 대학에서의 클래식 음악교육은 무엇을 더 섬세하게 돌보아야 할까? 나는 먼저 ‘결정의 근거’를 교육의 중심에 놓아야 한다고 본다. 예를 들면, 현악기 작품을 작곡하거나 편곡할 때 한 악구를 서로 다른 보잉으로 시도해 보고 녹음으로 비교해 본 다음, 세미나를 통해 선택의 이유를 설명하는 시간을 갖는다. 이 훈련이 반복되면 학생의 현악기 보윙에 대한 이해가 또렷해지고 연주는 우연이 아니라 논리 위에 선다. 분석·청음·실기·문장력이 한 지점 에서 만나는 순간, 음악은 ‘기술’에서 ‘해석’으로 건너간다. 연주기교와 함께 왜 그 템포와 음색을 택했는지, 어떤 보잉과 발성이 작품에 맞는지 말로 정리하는 능력을 기르는일 역시 음악교육의 핵심이라 본다.

공연이 끝난 뒤의 시간도 교육에 유익하다. 연주회 실황을 다양한 각도의 카메라와 고품질의 음원으로 담아내어 스튜디오에서 그 영상을 함께 보며 연습의 방향을 다시 세울 수 있다. 피아노 페달의 길이, 프레이즈의 처리, 성악의 음정 및 음색 안정감, 관현악의 밸런스와 앙상블의 조화 여부 등 요소는 녹화에서 더 객관적으로 드러난다. 디지털 미디어 자료를 잘 활용하여 실제 연주를 보완하는 순환 구조로 이해할 때 배움의 폭이 넓어진다. 이러한 ‘모니 터링’ 자료는 홍보에 앞서 학습 도구로 충분히 기능하며 학 생에게 자기평가(Self-Evaluation)의 언어를 선물한다.

평가의 방식도 조금은 확장할 만하다. 전공별로 차이가 있긴 하지만 한 번의 실기 점수로는 학생의 성장을 온전히 담기 어려운 경우도 있다. 포트폴리오와 짧은 제안서, 리플렉션을 묶어 과정을 기록하면 결과는 과정의 논리로 지탱된다. 어떤 템포를 선택했고 왜 그렇게 했는지, 어떤 프레이징으로 의미를 만들었는지, 어떤 리허설에서 해석이 바뀌었는지를 학생 스스로 적어 나가면 평가는 처벌이 아니라 학습의 길잡이가 된다. 지도교수의 코멘트와 동료평 가가 더해지면 강의실 안의 대화는 한층 더 성숙해질 수 있다.

한국 음악교육의 우수성은 이미 여러 무대에서 증명되었다. 이제 지향점은 더 요란한 구호보다는 그 우수성을 길게 지속시키는 방식에 있다. 대학 강의실의 언어가 무대의 언어와 자연스럽게 이어지고 무대의 시간이 다시 강의 실로 돌아오는 구조를 정착시키는 일. 학생의 개성이 해석의 논리와 만나는 장면을 세심하게 도와주는 일. 학교 밖무대와의 협업을 단발의 이벤트가 아니라 상호 학습의 장으로 설계하는 일. 이런 흐름이 조용히 축적될 때 우리는 ‘한국적 우수성’을 결과가 아니라 문화로 갖게 된다.

예술의 가치는 종종 느리게 드러난다. 그러나 그 느림이야말로 인간과 사회를 깊게 만드는 시간이다. 대학의 클래식 음악교육이 그 시간을 지켜낸다면 복도에서 겹쳐 들리던 연습의 소리는 어느 날 하나의 방향으로 모여 고귀하게 흐르게 될 것이다. 그리고 그 흐름 위에서 학생의 음악은 더 멀리, 더 오래 남을 것이다. 음악교육의 중요성은 그 결과로 증명되고 한국 음악교육의 우수성은 그 과정을 통해 다시 쓰인다. 우리가 지금 해야 할 일은 그 과정을 정직하게 이어 붙이는 일뿐이다.
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